La base del estilo clásico es la concisión, la claridad y la delgadez. Las características típicas de la imagen se utilizan en su mayor parte. Clásico es un marco estricto de oro y plata, ricos elementos decorativos. El color en el marco del estilo clásico implica el uso de colores saturados y combinaciones contrastantes: marrón oscuro, carmesí.
El estilo clásico sigue las mejores tradiciones de la arquitectura antigua y el Alto Renacimiento italiano. El estilo clásico en el diseño gráfico suele ser elegido por las estructuras estatales, los grandes bancos y algunas instituciones de arte. 
Estilo clasico
La simplicidad y la brevedad es la base del minimalismo. Este estilo se originó en el arte en la década de 1960 en América y en ese momento se contrastó con el expresionismo. El minimalismo es el lanzamiento de la composición de todos los detalles menores, menores y un énfasis en lo más importante.
El espacio liberado por esto funciona como una lente que resalta las cosas más importantes. Los colores del minimalismo son tacaños, así como las imágenes. 2-3 colores se utilizan más a menudo.
Pop Art (abreviatura de arte populararte popular) - La dirección en el arte surgió en 1950-1960. El fundador de este estilo gráfico, Andy Warhol, nos hizo recordar las imágenes más vívidas del arte pop: Ernesto Che Guevara, Marilyn Monroe. Los rasgos característicos del pop art son:
- colores brillantes
- siluetas expresivas, suaves
- soluciones de composición inesperadas y dinámicas.
- técnica de collage utilizada y kitsch consciente.
- una característica integral del arte pop es el uso de imágenes brillantes de estrellas de la política, el mundo del espectáculo y el cine.
El arte pop está dirigido a los jóvenes de aquí, toma su frivolidad y defiende la actitud del consumidor.
El vintage es una tendencia popular en los años 50 del siglo XX. La misma palabra "Vintage" implica un cierto objeto, algo típico de su tiempo, con tendencias estilísticas especiales. Vintage añade la atmósfera de nostalgia y nos hace volver al pasado. Una técnica típica de este estilo es el "envejecimiento" de fotografías e imágenes.
En cuanto al color, se trata de composiciones monocromas grises o de colores blanquecinos suaves que parecen desaparecer con el tiempo. A menudo se utilizan fuentes retro-específicas. El estilo gráfico vintage lleva el valor del pasado a través del presente.
El uso del texto como elemento principal de la composición: estas son las características distintivas de la tipografía como estilo en el diseño gráfico. El uso de conjuntos de fuentes para crear formas e imágenes mejora el significado y la profundidad del mensaje visual.
Actualmente es una de las herramientas de exposición más efectivas en publicidad. Trabajamos con un folleto diferente, un cartel o un letrero con varios tipos de letra y fuentes, y la forma en que lo hacemos es de suma importancia. Colocando la información textual como el elemento principal, tenemos que observar más de cerca la posibilidad de usar ciertos auriculares y características de la percepción de la fuente.
(de fr. imperio estilo - "estilo imperial") El estilo Imperio surgió en Francia en la segunda mitad del siglo XIII, finalizando su etapa final de clasicismo. Este estilo imperial se caracteriza por la grandeza, el poder, la monumentalidad.
El imperio es una rica decoración con el contenido de elementos de símbolos militares. Las formas de arte están tomadas principalmente de la cultura de la antigua Roma, Grecia y Egipto. El imperio fue llamado a enfatizar la idea del poder del poder y el estado, la presencia de un ejército fuerte. Por lo tanto, la decoración correspondiente es coronas de laurel, escudos, armaduras, águilas, etc. Este estilo gráfico es el más utilizado por los fabricantes de alcohol, enfatizando la masculinidad y la solidez de la marca.
Moderno o Art Nouveau (desde fr. moderno - moderno) art Nouveau (fr. art nouveau, "Nuevo arte"), la dirección artística en el arte, que se generalizó a finales del siglo XIX, principios del siglo XX. Las principales características distintivas son la salida de líneas rectas y ángulos, en favor de formas más naturales.
Opuesto a los clásicos y al imperio. Las características artísticas del estilo son asimetría, proporciones no estándar, adornos florales. Los colores modernistas son colores pastel discretos. A menudo se utiliza para atraer al público femenino.
Art Deco (Art Deco) (fr. art déco - “arte decorativo”). El flujo de arte de la primera mitad del siglo XX, que se originó en Francia en la década de 1920. Art Deco es una marca en arquitectura, pintura, moda. Estilo ecléctico que combina lo moderno y el neoclasicismo. Derivado de la vanguardia.
Las características distintivas del estilo son formas geométricas audaces, patrón estricto, adornos generosos y patrones geométricos étnicos, la riqueza de los colores. El estilo se caracteriza por el exotismo expresado por los elementos de la cultura de diferentes países y pueblos.
Grange
(Inglés. Grunge - dirt, abomination) - el estilo surgió en la música a mediados de los años 80 como un subgénero del rock alternativo. Este estilo se extendió rápidamente desde la música a todas las demás áreas de la actividad creativa. El grunge se ha convertido en una nueva subcultura juvenil, convirtiéndose en lo opuesto al glamour y al "brillo".
Ahora podemos ver el grunge en diseño de ropa, diseño web, diseño gráfico, etc. El grunge se caracteriza por la negligencia deliberada y el rechazo de la teatralidad. Las principales características distintivas del estilo grunge son los trazos descuidados, la suciedad, las manchas, los desgastes, las contusiones, las texturas en mal estado y otras desordenadas. Los colores son apagados, tranquilos: negro, marrón, beige y gris.
Estilo suizo
El estilo internacional suizo (1945-1985) lleva el nombre de su origen. Esta es una de las direcciones principales de la corriente modernista de la segunda mitad del siglo XIX. La base de la comunicación visual del estilo suizo eran formas geométricas y abstractas simples. El diseño se vuelve científicamente sólido, con una estructura y orden claros.
Gracias al uso de una rejilla modular, la estructura del diseño es fácilmente absorbida y leída por los consumidores, lo que hace que este estilo sea popular ahora. Las características distintivas son un rechazo de las peculiaridades y la decoración nacionales, lo que hace que este estilo sea internacional.
Psicodélico.
Psicodélico (psique - alma, delicioso - expandir). El nombre se originó de las drogas psicodélicas populares en la época entre los jóvenes (1960-1975). Este estilo está tratando diligentemente de transmitirnos el estado de ánimo y los sentimientos después de consumir drogas.
Desde aquí brillantes, gritando colores, ilegibilidad y caos en diseños de diseño. Las líneas suaves se toman prestadas del art nouveau, pero añaden formas y colores contrastantes, fuentes ilegibles y curvas. El diseño psicodélico a menudo no atrae, pero repele. 
Kitsch
El kitsch estadounidense o "arte de los años 50", como también se le llama, fue popular en los Estados Unidos en 1940-1960. El kitsch americano se caracteriza por una emocionalidad excesiva, como regla, es vulgaridad, sentimentalismo, pretensión. Del kitsch alemán se traduce como "mala forma".
Las obras en el estilo de kitsch se realizan a un alto nivel profesional, a veces demasiado dramático y expresivo, pero no tienen el verdadero valor cultural en ellas como verdaderas obras de arte. Las fuentes de este estilo son simples, a veces manuscritas, centran nuestra atención en la trama emocionante y los personajes emocionales. 
Estilo digital (digital).
Estilo digital (1985 - presente). La computadora permite a los diseñadores modernos mucho más que nunca. En el diseño moderno podemos ver gráficos de diseño web (web 2.0) y juegos de computadora, formas y perspectivas en 3D que no existen.
El estilo digital es difícil de clasificar por cualquier criterio, la característica principal es el uso de la computadora como la herramienta principal, sin la cual la creación de una composición sería imposible o difícil de acceder. 
Estilo victoriano
El estilo victoriano (edad victoriana) nació en Inglaterra en 1840-1900, en un contexto de rápido crecimiento industrial en aquellos años. El reinado de la reina Victoria tuvo una fuerte influencia directa en las artes visuales de esa época. Motivos como la nostalgia, el romanticismo, el sentimentalismo y la belleza detallada resultaron ser dominantes.
El estilo victoriano se caracteriza por la saturación de detalles y sofisticación. Los objetos colocados en carteles de la época victoriana tienen formas ovaladas o curvas, fuentes serif, la disposición simétrica correcta en el lienzo, el encuadre. La alta saturación informativa de los diseños de diseño es el sello distintivo de esa era. 
Hipster (estilo Hypster).
Hipsters (indie kids) aparecieron en los años 40 del siglo XX, los Estados Unidos de América. El concepto se originó en la expresión inglesa "to behip" - "estar en el sujeto". A partir de aquí surgió un "hippie" relacionado. En este momento, se trata de una subcultura juvenil tópica, unida por la ropa, los accesorios, el estilo de vida del consumidor y el deseo de estar a la moda. 
El estilo se caracteriza por las tendencias en diseño gráfico. Ambas ilustraciones monofónicas que contrastan con referencia al estilo vintage y combinaciones de colores brillantes y contrastantes. El contraste de color similar se desplaza al componente de fuente de esta dirección.
En un letrero en el "estilo inconformista" se puede usar de 3 a 5 tipos diferentes de auriculares, de manuscritos a accidentales. Las fotos se utilizan activamente, por regla general, sirven como un "sustrato" para las soluciones de fuentes originales. Los logotipos de estilo hipster son monótonos y saturados con cintas, líneas, cruces y otros elementos simples.
Infografías
La infografía presenta información utilizando gráficos. Este método de transmitir información se originó en la segunda mitad del siglo 20, pero se hizo especialmente popular en los últimos años debido a lo que decidí resaltarlo en este artículo.
Es posible que aún no se pueda separar la infografía en un estilo separado, pero es difícil no reconocerlo Estos son siempre gráficos, números y hechos secos. La infografía puede transmitir la máxima cantidad de información en el menor tiempo posible, lo que la hace extremadamente efectiva. 
Discusión: 11 comentarios.
Hola, mi nombre es Roman, actualmente me dedico al desarrollo de stands metódicos en el uso de estilos en diseño gráfico, y solo tengo una pregunta sobre este artículo, por qué estos estilos y no todos los demás se usan en diseño gráfico. Si me contesta, estaré muy contento. Y muy agradecido, puedes escribir al correo. [correo electrónico protegido]
Hola romana
El diseño gráfico es solo una herramienta con la que podemos establecer comunicación con el consumidor. Por ejemplo, a mediados del siglo XX, cuando las personas descansaron de la guerra y reconstruyeron sus economías, nos llegó el llamado "Buen Diseño". En la era del "Buen diseño" en los carteles y portadas, se podían ver combinaciones de colores calmados y equilibrados, pureza y orden plasmados en las imágenes de amas de casa modestas.
Cada estilo tiene su propio propósito, siempre lleva consigo algún tipo de subtexto, y cuál depende del estado de las cosas y los valores en la sociedad. Además, el uso de uno u otro estilo a veces se asocia con el público objetivo. Por ejemplo, si necesitamos la atención de los jóvenes, tomamos grunge, etc.
le agradezco la respuesta y la atención que me brindó, pero hay muchos estilos, muchos estilos aparecieron antes de la definición de diseño gráfico y sería muy difícil presentarlos todos, y probablemente ni siquiera sea posible porque Muchos de ellos no tienen cañones específicos para uso visual, sino solo métodos espirituales de mentalidad, solo la esencia de la pregunta es: según qué criterio fueron estos estilos particulares elegidos para este artículo. Es solo mi proyecto de graduación) y estoy buscando una respuesta a esta pregunta a través de todos los canales posibles.
Gracias de antemano.
muchas gracias, estaba esperando esta respuesta!
Hola alexander Bueno, primero, gracias por la descripción, realmente ayudó a ponerlo en los estantes. ¿Podrías recomendar una muy buena literatura sobre estos estilos?
Las nuevas tendencias en diseño gráfico aparecen muy raramente. A medida que una tendencia reemplaza a otra, se vuelve visible solo a medida que pasa el tiempo, y aun así no siempre. Algunas ideas y patrones se originan en grandes comunidades digitales, como Drebbble o Behance, pero solo unos pocos expertos podrán predecir con precisión qué tendencia en particular afectará más la cultura, la moda y el diseño gráfico en su conjunto.
Las tendencias de diseño gráfico nunca son a corto plazo y nunca desaparecen sin dejar rastro. Penetran nuestras vidas gradualmente, ganando popularidad lentamente. Y también se desvanece lentamente en el fondo, volviéndose menos popular. Todas las tendencias principales que serán relevantes en 2016 no aparecieron de la nada. Estas tendencias han dominado en los últimos años, cambiando ligeramente, pero permaneciendo absolutamente reconocibles.
Muchos diseñadores gráficos siguen lo que está sucediendo en su industria y tratan de usar nuevos enfoques en su trabajo. Tiene sentido - el análisis de tendencias le permite deshacerse de los clichés y clichés. ¿Qué tendencias serán más significativas en 2016?
RETRO MODERNO
A diferencia de lo retro, el estilo retro moderno se centra en el estilo de los años 70 y 80. Esta es la era de las primeras computadoras personales, videojuegos, exploración espacial activa y el rápido desarrollo de las tecnologías digitales. Como ejemplo, el trabajo del diseñador filipino Ralph Numbers está en su trabajo: la nostalgia por el pasado reciente se ve muy claramente en su trabajo. En la serie "Tecnología retro", recopiló muchos objetos y dispositivos reconocibles que casi nadie usa hoy en día: películas, cintas de audio, disquetes, giradiscos, buscapersonas y mucho más.
Los diseñadores del estudio de The Welcome Branding Group también adoptaron un estilo retro cuando recibieron instrucciones para crear una serie de carteles para la tienda de MusicLab que vendía discos de vinilo. Como resultado, el diseño parece haber sido creado a mediados de los años 70 del siglo pasado.
Pero en el diseño de los productos de la marca, Write Scetch y el estilo gráfico de los 80 son claramente visibles.
La diseñadora Aline McGuire, que trabaja en la decoración de latas para Coca-Cola, se inspiró en el popular juego de arcade Space Invaders, que apareció en 1978 y fue increíblemente popular. El resultado fue un divertido pixel art, que te obligó a recordar los primeros juegos de computadora.
DISEÑO DE MATERIAL
El diseño gráfico moderno y las tecnologías digitales están conectadas tan estrechamente que los diseñadores se ven influenciados por tendencias que dominan otras industrias, por ejemplo, en el desarrollo web. Cuando Google presentó su concepto de Diseño de materiales, casi nadie esperaba que tuviera un impacto en todo el diseño. Este lenguaje visual se distingue por la elección deliberada de colores, la tipografía a gran escala y el uso audaz de espacios en blanco.
Material Design es en muchos aspectos similar al estilo Flat 2.0, pero esta es una dirección completamente diferente en el diseño. Tiene más realismo, profundidad, volumen y movimiento. Y aunque Google ha creado su propio lenguaje visual para su uso en el entorno digital, sus principios se pueden utilizar en muchos tipos diferentes de diseño.
Paleta de colores brillantes
Tendencias como el diseño moderno y retro están relacionados con el uso de combinaciones de colores brillantes e inusuales en el diseño. En consecuencia, los diseñadores utilizarán activamente colores brillantes en sus proyectos. Y a pesar de que la tendencia a utilizar tonos apagados domina en la web, en el diseño gráfico todo es al revés: los colores brillantes y saturados están de moda.
- PANTONE 13-1520 cuarzo rosa
- PANTONE 15-3919 Serenidad
- PANTONE 12-0752 Ranúnculo
- PANTONE 16-3905 Gris Lila
- PANTONE 15-1040 Café Helado
- PANTONE 16-1548 Peach Echo
- PANTONE 19-4049 Snorkel Azul
- PANTONE 13-4810 Concha Limpet
- PANTONE 17-1564 Fiesta
- PANTONE 15-0146 Green Flash
Obviamente, hay una tendencia a usar colores brillantes, como el melocotón, el amarillo, el azul intenso y el verde brillante. La combinación de colores verde brillante y amarillo fue utilizada por los diseñadores del estudio In The Pool, quienes trabajaron en la creación de un póster para la conferencia internacional Paris Climat 2015 dedicada al problema del calentamiento global.
Las imágenes gráficas de los años 80 fueron inspiradas por el diseñador Tron Burgundi mientras trabajaban en un póster para el espectáculo Walk The Moon. Los colores brillantes y las formas geométricas nos llevan a recordar otra tendencia que está ganando impulso en el diseño gráfico.
FIGURAS GEOMETRICAS
El uso de formas geométricas es una tendencia notable, aunque la diferencia en los enfoques es obvia. Hoy en día, un número cada vez mayor de diseñadores utilizan los llamados polígonos, que se utilizan para crear modelos tridimensionales y videojuegos. Más recientemente, esta técnica gráfica sería incomprensible para el espectador, pero ahora todo ha cambiado y las ilustraciones en las que se utilizan figuras geométricas de una forma u otra aparecerán con mayor frecuencia.
ESPACIO NEGATIVO
El espacio negativo o negativo es una parte integral de cualquier buen diseño. El uso de esta técnica le permite agregar profundidad de diseño o doble significado. Más a menudo, el espacio negativo se utiliza al crear un logotipo o en la marca, pero nada impide que se utilice en otros tipos de diseño gráfico.
El diseñador John Randal ha creado un logotipo muy interesante para el restaurante The Swan & Mallard, donde el cisne, el pato y el comercial están muy bien combinados, y todo esto gracias al hábil uso del espacio negativo.
Otro ejemplo es el póster del concierto para el evento de 123 años The Best Of British Music. El espectador primero ve el violín y solo luego distingue los números 1, 2 y 3, que están en el título del evento.
TIPOGRAFIAS EMOCIONALES
Esta tendencia indica que la tipografía se puede utilizar para crear un efecto dramático. Las letras grandes atraen la atención, y puede mejorar la impresión mediante el uso de combinaciones de colores brillantes, texturas y una disposición inusual de los elementos.
ILUSTRACIONES ÚNICAS
Los diseñadores se niegan gradualmente a utilizar ilustraciones de valores. La razón - imágenes demasiado similares y falta de individualidad. Ningún diseñador quiere que su trabajo se vea como un cliché, lo mismo ocurre con las marcas que luchan por sobresalir de la competencia. El uso de imágenes de archivo en el diseño reduce la originalidad y, además, existe el riesgo de que algunos elementos puedan verse en las obras de otros diseñadores.
Así que en 2016, la tendencia de ilustraciones personalizadas será muy notable. Se utilizarán en una variedad de proyectos, desde el diseño de materiales impresos hasta el final de las páginas de destino de los sitios.
EN LUGAR DE LA CONCLUSIÓN
Sigue las tendencias, por supuesto que necesitas. Pero usar nuevos enfoques en el diseño solo porque están de moda no es una buena idea. Y si realmente desea tanto probar algo nuevo, es mejor asegurarse de que una tendencia particular se adapte bien al proyecto y que la audiencia lo entienda correctamente. Sin embargo, es mejor permanecer pragmático y usar solo aquellos elementos o combinaciones de colores que se verán apropiados en el diseño.
Trabajos graficos
Teatro
Libro teatro
Los gráficos de libros y el diseño de escenarios son aquellas áreas del arte donde el arte visual se une con otras formas de arte donde se requiere una cultura diversa del artista. En el libro y el diseño teatral, el resultado artístico surge cuando las soluciones visuales están relacionadas con el tejido literario o teatral de la obra.
La vida, desplegada en el escenario e inspirada por la belleza del canto, el gesto, el paisaje, encarna el mundo mismo del arte, con el que solo se asociaba el valor del ser. El teatro es un mundo especial, donde la ficción y la realidad son lo mismo. El principal atractivo de los espectadores del mundo está en su belleza. En su trabajo teatral, buscaron convertir la escena en un "reino de belleza".
Todo lo que abarca la noción de "teatralidad" (sublimidad y no clásico, magia y desapego, verdad y ficción) se convierte en un rasgo característico, en particular, de las obras gráficas.
En cuanto a la gráfica, los laicos durante varios años plantearon su cultura. Lo que hicieron los artistas: un libro, una revista, un programa teatral, un sobre para tarjetas de visita, un póster, vieron su propósito al decorar la publicación. En el arte gráfico domina la idea de la belleza. El diseño de libros y revistas comienza con una portada y luego se basa en los protectores de pantalla y el final, las letras iniciales y el trazo de los encabezados.
Viñeta - El elemento principal del diseño. Motivos - Flores, cintas, guirnaldas, jarrones. Miriskussnikov a menudo se llama maestros de viñetas o vignetists.
5.7.5 La publicación de la revista "Mundo del Arte".
La primera revista ilustrada de arte. Comenzando a publicar la revista, los artistas comenzaron a darse cuenta de sus opiniones sobre la vida en ella, revelaron sus posibilidades, elaboraron un estilo gráfico. En la búsqueda de la apariencia artística de la revista, participaron todos los gráficos del World of Art, los principios de diseño y diseño profesional. Los artistas piensan en qué papel imprimir una revista, en qué fuente, eligen la técnica de reproducción, encargan la impresión en varias imprentas y controlan la calidad de la producción.
Revista editada S. Dyagilev. Los patrocinadores del arte S.Mamontov y M.T. Tenischeva se subvencionaron, pero los subsidios privados terminaron un año más tarde y la revista existió durante cuatro años por cuenta pública, con el inicio de una crisis financiera en el país, la publicación dejó de publicarse con el número 12 de 1904.
Desarrollando su estilo gráfico, proceden de la bidimensionalidad de la hoja impresa, de acuerdo con la naturaleza de los gráficos y el conjunto de fuentes.
Los gráficos encontraron su propio lenguaje convencional, se distingue por la ausencia de ilusividad, dibujo estilizado, el juego en blanco y negro, líneas y puntos.
"World of Art" unió a la primera generación de artistas que no limitaron sus actividades profesionales a los problemas del arte nacional, sino que relacionaron y midieron su trabajo con todo lo que sucedió en ese momento en el arte de otros países.
Se suponía que la revista debía reflejar todas las cosas nuevas e importantes que aparecían en el arte, tanto en el ámbito nacional como en el extranjero. The World of Art presenta al lector los talleres de Abramtsevsmi y Talashkin, el arte de la modernidad occidental (los primeros publicados por Aubrey Berdsley), la propaganda del arte ruso, revistas dedicadas a los trabajos de K.A. Somov, A.P.Ostroumova, V. A.Serova, M.A. Vrubel.
Para las personas con talento que formaron esta comunidad creativa, la realidad no era el entorno, sino la vida interior llena de sueños y belleza. Pasaron a los días pasados: el siglo XVIII "galante", 30 años del siglo XIX. Poco a poco, los temas y motivos tomados del pasado comenzaron a dominar la pintura y los gráficos. Retrospect es su rasgo distintivo. Las obras de World Artists son fácilmente reconocibles por su sofisticado estilo, como base: la época de Peter I y Louis XIV, el retrato ruso del siglo XVIII y el grabado alemán, los gráficos del libro de Pushkin, etc.
Creativity of the World Artists se desarrolla en paralelo con el estudio más serio de la cultura rusa del siglo XVIII - principios del siglo XIX. Benoit está trabajando sistemáticamente para recopilar información sobre los artistas de la época. Dygilev lleva a cabo un trabajo sobre el estudio de la creatividad Levitsky, cuyo resultado fue la exposición "World of Art", dedicada a la pintura de retratos en 1905, que exhibió más de 2,000 obras de artistas y escultores rusos y de Europa occidental.
60 números de la revista y 5 exposiciones muestran los resultados de la actividad intensiva del "Mundo del Arte", que lo ha colocado en el centro de toda la vida artística de Rusia. Durante este período, el programa estético de esta asociación se expresó plenamente, se determinó la individualidad creativa de todos sus participantes (por regla general, ya eran artistas profesionales, personalidades establecidas).
La etapa final de sus actividades fue el diseño con el triunfo de las "estaciones rusas" en París, donde diseñaron todas las actuaciones de ópera y ballet.
El papel cultural desempeñado por el "Mundo del Arte" resultó ser más significativo que la contribución dejada por la creatividad individual de sus miembros. Las acciones colectivas del "Mundo del Arte" siempre elevaron el tono de toda la vida artística. El estilo artístico desarrollado por ellos fue continuado y desarrollado en el campo de los gráficos, en las obras de la llamada "segunda generación" del "Mundo del Arte". Todos los artistas que le pertenecían se dedicaban a la programación, aprobando su estatus profesional.
Si está pensando en pedir una identidad corporativa o crear un logotipo para su marca, o si está interesado en diseñar el empaque de sus productos y no le es indiferente el estilo retro, ¡bienvenido a nuestra máquina del tiempo y deje que la historia cree inspiración!
El diseño gráfico moderno a menudo se refiere a épocas pasadas y a la historia del estilo y el diseño. La inspiración puede inspirarse con entusiasmo en la estética y la cultura del pasado, pero la forma sencilla de copiar e imitar los días pasados en su diseño es mejor repensar y actualizar la historia. Mira al pasado, pero mira el presente.
Toma un bolígrafo y un papel, vamos a sumergirnos en el pasado. Echemos un vistazo a los 150 años de historia del diseño gráfico, comenzando en 1850 y finalizando en 2000, y veamos qué puede inspirarse en el desarrollo de la identidad corporativa.
01. Estilo victoriano (1850-1900)
El diseño gráfico de la época victoriana se adjunta a la tipografía y al principio "cuanto más, mejor". La era, llamada así por el reinado de la reina Victoria, que precedió a la revolución industrial, fue testigo de cambios radicales en la producción, el cambio social y cultural.
Las nuevas tecnologías hicieron que la impresión y el papel fueran más accesibles, y los empresarios comenzaron a utilizar el diseño gráfico para el desarrollo comercial de su negocio. Las imprentas desarrollaron nuevas y nuevas fuentes decorativas, letras, dibujando ingeniosos carteles, publicidades, páginas de revistas y cualquier otro material impreso con una estética compleja, simétrica y estampada.
Ordene la identidad corporativa en la manera victoriana:
Pinte la página - cada pulgada, - pero mantenga la simetría
Experimenta con letras y relieves complejos.
Añade sombras, contornos y cualquier decoración artística.
Combina texto e imagen en una obra de arte.
El diseño gráfico de la época victoriana es una buena opción para los cafés-bares, en cuyo interior hay varios detalles, diseños y adornos únicos e innovadores. Este estilo se combina especialmente con éxito con nombres en los que aparece la palabra “Victoria”, como en el logotipo de Victoria Brown: un diseño simétrico, tipografía característica, formas ornamentales y una corona, coronando la composición.
02. El movimiento de artes y oficios (1870-1910).
Si crees que el diseño victoriano es el diseño más estampado de todos, entonces estás profundamente equivocado. El movimiento de artes y oficios fue una reacción contra la producción de bienes de consumo y bienes de baja calidad de la Revolución Industrial. Dirigidos por William Morris, los defensores lucharon por volver al diseño manual y proclamaron alegría en el trabajo. Usaron patrones de producción tradicionales, se convirtieron en materiales naturales y se inspiraron en las ideas del pasado.
Creando un logotipo al estilo del Movimiento de Artes y Oficios:
Usa paleta de colores naturales y naturales.
Crea composiciones densas, entrelazadas, florales y con formas curvas.
Representa temas naturales y florales.
Utilizar tipografía medieval
La identidad de marca presentada no está hecha en un diseño tan denso, pero inspirada en la imagen de la naturaleza como la vemos en la vida, la naturalidad se ve acentuada por la gama de colores tranquilos. El resultado es un deseo estético de admirar y luego comer estas verduras.
03. Art Nouveau (1880-1910)
Art Nouveau es a menudo percibido como algo retorcido y rizado. De hecho, este estilo expresa los cambios psicológicos y las ansiedades que ocurrieron a finales del siglo XX, y la mayoría de las veces el diseño fluido y tortuoso refleja este estado de flujo y cambio. Era el momento de los descubrimientos, las nuevas tecnologías, el profundo conocimiento del mundo. Además, la atmósfera de emancipación era vital en el aire: frente a una mujer moderna y liberada, los hombres comenzaron a sentirse adversarios por el título de maestro de la vida: ahora no solo podían aprender, trabajar e incluso imaginar el ciclismo.
Creación de un logotipo de Art Nouveau:
Destacan formas lineales y abstractas, diseño plano inspirado en la tradición japonesa.
Utilice líneas y formas curvas y fluidas que se transforman, se mueven y se funden.
El diseño debe expresar el sujeto retratado.
Representar caras de mujeres
La portada de este libro de cuentos antiguos de Japón está inspirada en la influencia del diseño japonés, que fue popular en la era del Art Nouveau. Las letras "C" y "J" en el nombre son transformadas por patrones naturales; sentir que las flores crecen desde el fondo de un libro; y la libélula, un símbolo popular de la corriente, vuela en la esquina superior derecha.
04. Dadaísmo (1910-1920)
El estilo de Dadaísmo o Dada se convirtió en una reacción a la Primera Guerra Mundial como un movimiento contraestético, que se centró en la política contra la guerra.
Para los dadaístas, la guerra no tiene ningún sentido, y la sociedad que participa en ella es cuestionada, lo que significa que el arte en sí también está en duda.
Los artistas buscaron destruir los valores tradicionales en el arte y reemplazar lo antiguo por lo nuevo. Dispusieron y experimentaron viejas tipografías, revolucionando el "concepto idiota y nauseabundo de los libros pasados de moda", y como resultado, el diseño de artículos promocionales generó letras e imágenes espontáneas que se suponía que "duplicarían el sorprendente poder de las palabras".
Creando un logo al estilo del dadaísmo:
Experimenta con fuentes, diseño y espacio vacío.
Rompe todas las reglas y sigue el desorden.
Haga collages de fotos, boletos, periódicos y cualquier otro material impreso.
Especule significados y significados combinando imágenes y textos incompatibles.
05. Vanguardia (1920-1930).
El período entre las dos guerras mundiales marcó la era de las invenciones e innovaciones, y el término vanguardia nos remite a las personas que trabajaron en ese momento. De hecho, los experimentadores e innovadores de vanguardia ampliaron los límites del diseño. En los Países Bajos, los artistas entraron en la abstracción de formas y colores para expresar nuevas ideas utópicas de armonía espiritual y orden. En Rusia, los artistas constructivistas fusionaron el arte con las nuevas tecnologías y la ideología política para apoyar la revolución.
Orden de estilo corporativo en el estilo de vanguardia:
Sigue líneas y formas geométricas claras.
Usa colores primarios en tonos ricos.
Incluir fotomontaje
Elija las fuentes grandes y en negrita
La portada de este CD nos remite claramente al trabajo de los constructivistas rusos en su paleta rojo-negro-blanco. Las líneas pronunciadas delinean un cuadrado, y los elementos en blanco y negro se combinan en un fotomontaje.
06. Art Deco (1920-1930)
Desde los años 20 hasta la Gran Depresión en los Estados Unidos, Art Deco fue diseñado para impulsar la producción y el consumo. Este estilo nació en Francia, donde los artículos de lujo personificaron un resurgimiento económico a corto plazo. Los artesanos franceses utilizaron materiales exóticos, revivieron métodos tradicionales y acogieron con agrado la experiencia clásica del mundo colonial para crear productos exclusivos. Cuando Art Deco se difundió en América, los diseñadores adaptaron su estética al estilo de vida urbano moderno: la sociedad de consumo.
Creando un logo Art Deco:
Se adhieren a líneas geométricas rectas y en forma de rayo.
Estiliza líneas abstractas para imágenes 2D planas, como si estuvieran congeladas en su lugar.
Déjate inspirar por los rascacielos, los coches, el transporte y la era del jazz.
Crea superficies brillantes, brillantes, brillantes.
07. El estilo internacional (1950-1960).
¿Alguna vez te has preguntado dónde crecen tus piernas con Helvetica (sans serif fonts)? Ahora tu sabes Después de los trastornos de la Segunda Guerra Mundial, el estilo internacional (o suizo) buscó la simplicidad, el minimalismo y la precisión. En las décadas de 1950 y 1960, los diseñadores suizos impulsaron aún más los ideales modernistas de Avangrad, experimentando con la tipografía y el fotomontaje. No sentían la necesidad de expresarse. El estilo se convirtió en la encarnación del mantra "la forma sigue a la función": los diseñadores crearon un lenguaje gráfico universal, anónimo y objetivo.
Orden de identidad corporativa en estilo internacional:
Utilice tipografía fuerte como las fuentes Helvetica.
Incluir fotos en lugar de ilustraciones y dibujos.
Trae más espacio en tu diseño
Asimetría de estructuras
Una fuente atrevida y fácil de leer, mucho espacio, imágenes fotográficas y una paleta de colores muy simple, un diseño conceptual internacional.
08. Medieval moderno (1950-1960)
Mientras tanto, a mediados de siglo, Estados Unidos disfrutó de una buena vida llena de optimismo y prosperidad después de la Segunda Guerra Mundial.
Los diseñadores apelaron a los ideales de los modernistas europeos y los conectaron con este sentimiento y bienestar optimistas para crear obras brillantes, coloridas y llenas de vida que atraían a la sociedad a consumir, consumir, consumir.
Orden de identidad corporativa en el estilo de la época medieval moderna:
Usa colores brillantes y emocionales.
Deja mucho espacio
Insertar ilustraciones divertidas y expresivas.
Crea composiciones animadas y de fantasía.
Estos carros de madera recuerdan el momento en que no había juguetes de plástico. El desarrollo del diseño de envases está dirigido precisamente a esa época. En este diseño, la modernidad medieval está representada por ilustraciones brillantes y abstractas de máquinas, que simbolizan la velocidad y el movimiento.
09. Psicodélico (1960-1970).
El movimiento psicodélico creció debido a la propagación de drogas alucinógenas en los años 60 y 7. Cuando la generación de la posguerra alcanzó la mayoría de edad en esos años, pusieron en duda los valores materialistas y conservadores de Estados Unidos, con el resultado de que el movimiento juvenil revolucionario marcó revueltas y un tiempo de experimentación. Los festivales y conciertos de música, de los que las drogas formaron parte integrante, son atributos característicos del paisaje social. El diseño gráfico expresó visualmente esta sensación de "desvincularse de la realidad" con la ayuda de colores ricos, líneas retorcidas y formas (que es similar a Art Nouveau) y fuentes apenas legibles.
Creando un logotipo de estilo psicodélico:
Elija tonos de colores brillantes y contrastantes.
No dejes un solo lugar intacto.
Insertar caras
Crea la ilusión de movimiento a partir de líneas claras y sinuosas.
Este póster es una fantástica obra de arte, nos remite al diseño psicodélico y anuncia la gira de conciertos de la banda de rock The Black Keys. No hay un centímetro en él que permanezca intacto, la masa de líneas y formas se mueven y fluyen entre sí.
10. La posmodernidad (1970-1980).
Diseño posmoderno, ¿de qué se trata? Después del orden y la racionalidad que prevalecieron en el diseño de la modernidad, los diseñadores posmodernos desecharon la convención y la seriedad de la ventana y trabajaron en un diseño audaz, gritón y caprichoso. Al final, el patio estuvo en los años 80. Se ignoró la convencionalidad tradicional; en cambio, se creó un diseño expresivo y lúdico que combina culturas de élite y de masas.
Ordenar la identidad corporativa en el estilo de la posmodernidad:
Mezcla y combina tantos colores brillantes como sea posible.
Juega, deja la seriedad, piensa en la forma, no en el contenido.
Fotomontaje: para fan y estética, pero no para significar.
Enfoca tu diseño en una audiencia pop.
Como escribió el periodista en el portal itsnicethat.com, "la capacidad de reconocer a una celebridad por sus partes es en realidad lo único que distingue a una persona de un insecto escarabajo"
11. Grunge (década de 1990)
Nirvana, Pearl Jam, Stone Temple Pilots - la era del grunge en los años 90 nos dio mucha música genial, así como ejemplos de hermosos diseños "sucios". Como el posmodernismo fue una reacción al funcionalismo del modernismo, el grunge apagado se convirtió en una reacción al colorido posmodernismo. Se suponía que era una representación más precisa y realista de la vida real con sus puntos sucios, imágenes borrosas, texturas abruptas y sucias. David Carson, uno de los diseños de grunge, experimentó con tipografía expresiva, fondos y texturas.
Orden de identidad corporativa a la manera de Grange:
Use una paleta de colores apagados y apagados.
Experimenta con imágenes borrosas y distorsionadas.
Usa texturas sucias y elementos como manchas o rasgones.
Añadir elementos escritos a mano y fuentes rotas
Tu turno
La moda y las tendencias en diseño gráfico son cíclicas (como en el diseño web, que escribimos en este artículo). Mire hacia atrás en el pasado en busca de una inspiración significativa, no solo estética, y trate de convertirse en un innovador, no solo en un imitador. Las tendencias históricas en el diseño se interpretan mejor cuando hay significado y relevancia en su significado y contexto de uso.
Estilo "constructivismo" en diseño.
El constructivismo es la dirección que se asocia principalmente con la arquitectura. Sin embargo, tal visión puede llamarse unilateral o incluso fundamentalmente errónea, porque antes de convertirse en un método arquitectónico, el constructivismo existía en el diseño y la impresión. En las formas gráficas de creatividad, el constructivismo se caracterizó por el uso de fotomontaje en lugar de una ilustración dibujada a mano, la geometrización extrema, la subordinación de la composición a los ritmos rectangulares. La gama de colores también fue estable: negro, rojo, blanco, gris con la adición de azul y amarillo.
Estilo "clásico" en diseño.
El diseño gráfico en estilo clásico se basa en cánones estrictos: claridad, concisión, armonía y consistencia. Sólo se utilizan características tipológicas de la imagen. Los clásicos siempre son eternos y hoy son tan populares como lo fueron hace varias décadas. En este estilo, se realizan tarjetas de visita, calendarios y otras impresiones de oficina. Elementos del estilo clásico: marcos estrictos, brillantes, degradados brillantes, varios elementos decorativos. En cuanto a las soluciones de color del estilo clásico, como regla general, se trata de tonos saturados y brillantes en combinación con el color plateado o dorado.
Estilo victoriano de diseño
La característica principal del estilo victoriano - la saturación de los detalles. Aquí se volvió a utilizar el concepto de "miedo al vacío", pero, a diferencia de la interpretación tradicional, por ejemplo, en el arte del barroco, se convirtió en un reflejo de un pensamiento ecléctico diferente. Esto se nota en el diseño y los interiores residenciales, y característicos de este período de carteles publicitarios.
Estilo vanguardista en diseño.
Avant-Garde es un nombre generalizado de las tendencias en arte europeo que surgió a fines del siglo XIX y XX, expresado en forma de lucha polémica. Avant-garde se caracteriza por un enfoque experimental de la creatividad artística que va más allá de la estética clásica, utilizando medios de expresión originales e innovadores, así como un simbolismo subrayado de imágenes artísticas.
Diseño americano de mediados del siglo XX.
En los años 40 y 50, el concepto de "buen diseño" se estableció en toda Europa. En Italia, recibió el nombre de "diseño de campana", en Alemania - "buena forma", en el norte de Europa - "diseño escandinavo". La principal necesidad de las personas en los años de posguerra fue el establecimiento de una vida pacífica normal. Un diseño que cumpla con esta solicitud social debería haber sido de alta calidad, "tranquilo", económico y agradable a la vista. La sociedad no quería un desafío, una protesta o el elitismo de las cosas.
Estilo imperio en diseño
El estilo del Imperio a menudo se asocia con San Petersburgo, ya que el tema principal del estilo es monárquico y heroico. Este estilo a menudo se centra en las antiguas imágenes de Grecia, Roma, Egipto. Poder, majestad, monumentalidad caracterizan al Imperio. Como decoración, se pueden utilizar varios motivos militares: armaduras, coronas de laurel, águilas y ornamentos egipcios. En la publicidad moderna, la mayoría de las veces este estilo es utilizado por los fabricantes de bebidas alcohólicas para enfatizar la solidez y masculinidad de la marca. El imperio es capaz de crear el efecto de la realeza, majestad.
Estilo "moderno" en diseño.
Moderno o art nouveau: exactamente lo contrario de los clásicos y el imperio. Sus características distintivas son: rechazo de líneas rectas y ángulos en favor de patrones más naturales, "naturales", proporciones no estándar, asimetría y patrones florales. Esta ligereza y romance generalmente se expresa en el uso de colores pastel. Lo moderno niega la canonicidad y claridad de los elementos de la composición. Por lo general se utiliza para atraer a una audiencia femenina.
Estilo Art Deco en diseño.
Art Deco (Art Deco) se deriva de vanguardia. Las características principales: el patrón, los patrones geométricos étnicos, el lujo. El exotismo de este estilo se expresa en el uso de elementos de la cultura y las tradiciones de diferentes países y pueblos. Esta antigua Mesopotamia, y el pueblo maya, y la cultura egipcia de la era de los faraones. A menudo se utilizan referencias a la cultura de la antigua Grecia, Roma, China y Japón, y no menos importante, Rusia. Puede encontrar formas geométricas repetitivas: círculos, cuadrados, flechas: este es el resultado de la influencia de América de los años 20, cuando las formas mecánicas e industriales se convirtieron en fuentes de inspiración para los diseñadores. Un ejemplo sorprendente del estilo art deco es el diseño de un paquete de cigarrillos Lucky Strike.
Estilo "minimalismo" en diseño.
Este estilo se basa en la simplicidad y la concisión. Monocromo, formas simples, colores neutros: este es el precio que debe pagar si desea enfocar el objeto principal o la imagen. Buenos ejemplos de minimalismo se pueden encontrar en diseñadores japoneses. Elegancia y sencillez. A veces esto es todo lo que se necesita para despertar el interés en la imagen.
Estilo "Pop Art" en diseño.
El arte pop (o arte popular) tiene como objetivo mostrar con precisión imágenes masivas, desde bienes de consumo hasta celebridades. Las imágenes más memorables de este estilo fueron las imágenes de Ernesto Che Guevara y Marilyn Monroe del fundador del estilo de Andy Warhol. Las principales características del estilo: colores vivos, vivos y contrastes marcados. Este estilo está dirigido a atraer a un público masivo, principalmente a los jóvenes.
Estilo tipográfico en diseño.
La tipografía puede considerarse la base del diseño gráfico moderno en publicidad. Su tarea principal es informar. En tipografía, un elemento es el texto. Se pueden realizar manipulaciones adicionales del diseñador con las fuentes, el color y la disposición del texto. Un ejemplo clásico de este estilo son varias etiquetas, folletos de información.
Estilo "grunge" en diseño.
En un momento, el estilo grunge surgió como una alternativa al glamour peinado y la belleza falsa antinatural, idealizada para la cercanía. Definiciones como sucias, deliberadamente desordenadas, a veces incluso feas pueden aplicarse al grunge. Ahora el grunge es una poderosa tendencia constante del diseño web, que le da mucho espacio para la autoexpresión.
El grunge moderno no busca utilizar totalmente todos los "artilugios" de su arsenal, para parecerse a un basurero o una pila de basura. Solo unos pocos elementos visuales, y el diseño obtiene un sonido completamente diferente. El componente visual del grunge es más probable que se transforme en una forma de negligencia leve o desvanecimiento por el tiempo de uso prolongado y frecuente.
Grunge es uno de los estilos de diseño web más creativos y divertidos. Da amplias oportunidades para experimentar, permite probar varios elementos gráficos. Y si bien no hay necesidad de adherirse a formas y reglas estrictas.
Los diseñadores de Yourinspirationweb consideraron 4 componentes principales del estilo grunge. Es la presencia de uno o varios de esos elementos lo que determina la pertenencia a este estilo.
- Paleta de colores grunge
En un diseño grunge, los colores vibrantes y vibrantes generalmente se reemplazan con más tenue y mate. Los colores típicos son beige, marrón, negro y gris. El grunge evita los tonos pastel, así como los colores típicos de la web 2.0. - Texturas y patrones
Se puede decir que este es un elemento fundamental para el estilo grunge. Para el fondo, se utilizan varios elementos visuales "desordenados", tales como: imágenes de refuerzos de acero, jeans rotos, superficies de madera, así como superficies con diversos ruidos y desgastes. Aquí hay un campo enorme para la experimentación. Lo principal es que es apropiado. - Detalles realistas
El grunge, como el estilo hecho a mano, tiene una debilidad por todo tipo de cosas hechas por el hombre. Estos pueden ser pegatinas, polaroids, trozos de papel, trozos de cinta de papel, clips. Además de elementos como manchas, manchas, salpicaduras y manchas en la superficie. - Fuentes de grunge
La fuente grunge puede tener desgastes, asperezas, arrugas. Puede consistir en líneas irregulares e irregulares y parecer que ha sido manipulada con algo. O, alternativamente, puede ser una fuente manuscrita.
